Caravaggio y la cinematografía

por Vicente Porfilio | Feb 20, 2020 | Análisis, Arte, Cine, Didáctico, Fotografía, Fotografía Cinematográfica, Pintura Clásica

Caravaggio y la cinematografía

por Vicente Porfilio | Feb 20, 2020 | Análisis, Arte, Cine, Didáctico, Fotografía, Fotografía Cinematográfica, Pintura Clásica

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Michelangelo Merisi Da Caravaggio

Caravaggio es sin duda alguna un pintor que ha influido, -e influye- en la cinematografía desde que esta es un arte más allá de poner “dos” luces y darle al botón de “grabar” de la cámara. Para los que estamos atentos al arte de cómo filmar y que además en ocasiones debemos construir atmósferas visuales y transmitir mensajes con imágenes, no nos queda otra que pasar en algún momento por Caravaggio.

Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor italiano que forjó su carrera en Roma principalmente. Fue una especie de adelantado a su tiempo. Uno de los primeros pintores, sino el primero, en ahondar y recrearse en las sombras y las partes oscuras (negras inclsuo) de las obras pictóricas de todos los tiempos. Por lo visto Caravaggio era un poco pendenciero, violento y oscuro en sí mismo, de ahí que pintara las obras que pintó. Sin duda alguna no deja a nadie indiferente, además en la época suya, lo que se pintaba por norma general era la parte más “bonita” y religiosa del Evangelio, pero Caravaggio… bueno, Caravaggio era difrente, él mostró otra parte del Evangelio.

La vocación de San Mateo, la obra maestra de Caravaggio

Sin duda alguna, la obra más representativa de la influencia de Caravaggio en la cinematografía, y como ha destacado siempre Vittorio Storaro, es La Vocación de San Mateo (en la portada de este post). Esta obra forma parte de un “triptico” de 3 escenas evangélicas de San Mateo que Caravaggio pintó por encargo para decorar la capilla Contrarelli en Roma. Esta es una obra en la que la luz es -a mi juicio- el elemento más importante de la obra. Con ella Caravaggio nos muestra magistralmente la obra por orden y guardando el misterio -o no- de la escena que vemos. Es decir, por la composición y disposición de los elementos, y por la elección de la dirección y forma de la luz del cuadro, vemos a Jesús casi en penumbra. Pero si vemos como su mano -iluminada- señala a San Mateo ya que lo está eligiendo de entre todos los presentes en el despacho de impuestos en el que están. La luz es la guía, es quien indica al espectador -u observador- por dónde y cómo se ha de mirar el cuadro. pero lo mejor es que deja en sombra aquello que debe guardar misterio. Maravilloso Caravaggio.

La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san Mateo (Mateo 9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le siguió. (Wikipedia)

La vocación de San Mateo

“La vocación de San Mateo”, Iglesia San Luis de los Franceses, Capilla Contarelli. Roma. (1599).

La mayor influencia de Vittorio Storaro

El maestro Vittorio Storaro siempre ha puesto a Caravaggio como su mayor influencia, de hecho ha llegado a decir que “Caravaggio me enseñó lo que se“. En su libro “Escribir con la luz” o en muchas otras ocasiones, Storaro deja claro que este pintor es quien le hizo ver la fuerza del arte. Observó en su obra como el uso de las luces y las sombras, entre otras cosas, ayudaban a transmitir mensajes con mas fuerza.

Vittorio Storaro // Fuente Getty

Storaro hablando de la importancia de la obra de Caravaggio

La narrativa visual en sus obras

Observando una obra de Caravaggio podemos inspirarnos para crear o recrear una atmósfera cinematográfica. De hecho, yo tengo a este pintor también como referente y como inspiranción; puedes verlo aquí. En mi opinión, Caravaggio tiene un estilo muy marcado, es un pintor que huye de los fondos (paisajes), más bien focaliza la luz de sus pinturas en una escena concreta. Cierto es que son puestas en escenas muy teatrales, dramáticas, pero muy resultonas y directas. Lo demás es penumbra, oscuridad, tenebrosidad incluso. Y además algo curioso es ese tono sutílmente amarillento de la fuetne de luz de casi todas sus obras mas inlfuyentes.

Casi cualquier cuadro de Caravaggio tiene los mismos elementos narrativos; una única fuente de luz que nunca o casi nunca es frontal del punto de vista con una luz de relleno muy sutíl y a veces ni siquiera anecdótica. Muerte, tenebrosidad y oscurantismo presente en la puesta en escena propiamente dicha, uso de encuadres generales muy ajustados a la escena y además predominan los puntos de vista ligeramente por debajo de la altura de los ojos de los protagonistas de la obra. Es muy importante fijarse en su obras ya que no hay nada que no esté estudiado, ahora me refiero a la puesta en escena, a como los personajes están dispuestos de manera que la luz y la sombra les llega o no les llega acorde a la narrativa visual. Dejar media cara a oscuras o recibir fuertes sombras no es casualidad, obviamente es una pintura. De ahí mucha de la influenciaa actual ya que viene a ser lo mismo hoy en dia para una escena teatral o cinematográfica.

Los colores y la iluminación en sus obras

En cuanto a la colorimetría, Caravaggio solía usar colores moderadamente vivos (rojos y sus complementarios verdes mayoritariamente) muy matizados por la luz incidente y con nivel de luminosidad importante en los elementos protagonistas. Y también colores más apagados y zonas claramente oscuras o en sombra para los elementos secundarios y menos importantes. También se aprecian colores y tonos acorde a la fuente de luz que Caravaggio plantea. Por ejemplo colores neutros como grises, negros y blancos o colores amarillos, marrones y ocres que pasan más desapercibidos si el tono de la luz general es cálido. De esta manera es como Caravaggio controla el brillo y el contraste de la escena. Así es como transmite el mensaje y juega con nuestros ojos a lo largo y ancho del lienzo.

Los discípulos de Emaús

Cómo hacer la cinematografía de una obra de Caravaggio

Si tuvieramos que elegir el equipo de iluminación y ajustar los settings de la cámara para reproducir un cuadro “tipo” de Caravaggio -y hablo en general- deberiamos de usar diafragmas elevados, del orden de f11 para garantizar la nitidez. Eso nos llevaría a usar niveles de luz importantes, por supuesto, con las luces cálidas y situadas lo más próximas posibles a la escena y de tipo panel fluorescente o LED de tamaño medio/grande.

Cabría añadir algún proyector con lente PC o fresnel de tamaño medio con un difusor suave pero eficaz (tipo white difussion) delante; si existe alguna luz dura como parte de la iluminación. Y en cámara habría que hacer un balance de blancos con componente de luz fria (aproximadamente 4500ºK), para que resalte ese tono más amarillo/cálido.

En cuanto al contraste -o al rango dinámico/latitud- de la imagen, debería de ser un contraste elevado, del orden 2:1 sino no existe fondo, y si existe, ese fondo sería un 2:1 también en relación a la luz principal. En definitiva un contraste 2:1:1. La posición de la cámara debería de ser ligeramente por debajo de la altura de los ojos de los elementos principales y el encuadre en plano general ajustado a la escena.

Interesaría manipular la luz (posición y forma) de manera que deje en sombra y en penumbra aquellas partes que no aportan o aportan poco al mensaje que se trata de transmitir.

Conoce más a Caravaggio

(Fuente: Historia Arte) Michelangelo Merisi da Caravaggio, pintor revolucionario, artista provocador, persona inquieta de caracter pendenciero, genio incomprendido, loco violento, hombre atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco… LEER MAS.